Culture sans frontières Pascal Rabaté : « La bande-dessinée a ça d’extraordinaire qu’on ne doit rien à personne, au cinéma, on doit tout à tout le monde »

Pascal Rabaté Pascal Rabaté, votre film s’appelle Ni à vendre ni à louer. C’est un film un peu particulier dans sa forme car c’est un film sans dialogues, mais cela ne veut pas dire pour autant qu’il n’y ait pas de son. Il se compose de petites saynètes, des petits tableaux qui mettent en scène les différents personnages du film. Est-ce parce que vous venez du monde de la BD que vous avez choisir d’adopter cette forme-là ?

« C’est parce que je viens du monde de la BD que j’ai voulu faire un film qui soit spécifiquement un objet cinématographique. Il s’agit de six histoires qui se croisent le temps d’un week-end. C’est vraiment monté en cut, on a vraiment beaucoup de petits éléments qui arrivent à un moment donné central, une tempête de la nuit, qui va redistribuer les cartes. Venant du dessin, des arts plastiques, j’avais envie de faire des images qui soient cadrées et qui fassent sens et qui soient plastiques. Mais je pense que cet objet ne pouvait exister qu’en audiovisuel car il y a beaucoup de travail sur le son, beaucoup de hors-champs créés par des bruits de vaisselle ou des déplacements. On a beaucoup travaillé sur l’épure de ce côté-là pour que justement chaque son fasse sens. Au départ je pensais partir sur quelque chose de beaucoup plus naturaliste, en terme d’ambiances sonores. Puis on a décidé d’écrémer et de privilégier le côté décalé et surréaliste. »

Le côté décalé et surréaliste, on pense évidemment à Jacques Tati, d’ailleurs vous y faites référence vous-même dans des interviews. La référence est évidente parce que le film se passe au bord de la mer. Le titre étonnamment en anglais s’appelle Holidays by the sea, ce qui fait penser aux Vacances de M. Hulot. Vous avez d’autres influences ?

« Tati est une des inspirations. Il y en a pas mal d’autres : des cinéastes burlesques aux cinéaste poétiques. Des gens comme Jacques Demy par exemple. Je me sens presque plus proche de Pierre Etaix que de Tati parce que Tati était un cinéaste de la société, de l’individu perdu dans la grosse machine. Etaix était plus dans l’intime. Je me situe un peu entre les deux, mais quand on était sur le plateau je pensais beaucoup à Kaurismäki pour un jeu d’acteur retenu, pudique. Là, c’est assez éloigné du travail de Tati sur le corps, très influencé par la pantomime, la comedia dell’arte. Je voulais garder un côté réaliste dans les sentiments. »

Très réaliste et très pudique, mais en même temps, il n’y a pas de dialogues… Il faut donc que les acteurs jouent de leur corps, des expressions de leur visage etc. Comment dirige-t-on des acteurs qui ne parlent pas ?

'Ni à vendre ni à louer' « La chose m’a sauté aux yeux très rapidement : la première journée, je me suis aperçu qu’en supprimant l’oralité, on amenait le spectateur à plus observer ce qui se passait dans le cadre, et qu’il fallait freiner les acteurs. Eux pensaient comme moi qu’en supprimant une source d’information, qu’il fallait compenser par un sur-jeu ou par un jeu plus marqué. Or, il s’avère que ça a été l’inverse. Tati, s’il avait repris le scénario, aurait toujours été deux mètres plus loin que moi. C’était un cinéaste qui ne jouait pas sur le visage mais sur un corps qui se déplace. Nous, on avait décidé d’ouvrir le champs des possibles en faisant à la fois des plans rapprochés, des plans moyens et des plans larges. Du coup, on se rend compte que sur les plans rapprochés, la moindre inflexion du visage prend des proportions énormes car la parole ne va pas nous ôter une partie de l’attention. Côté des acteurs, ça en a déstabilisé plus d’un les deux premiers jours, mais au vu des rushes ils se sont dit qu’il fallait freiner le jeu et qu’il fallait être non pas dans l’économie, mais dans une certaine retenue. »

Est-ce que certains ont eu envie de parler, des moments où les paroles sont sorties toutes seules ?

'Ni à vendre ni à louer' « Il y a eu quelques paroles qui s’échappent. Au montage, on s’est aperçu que, comme ce n’est pas un cinéma dogmatique, on pouvait s’en servir pour donner du relief à la bande-son, pour créer du rythme. Cela reste des petites choses qu’on n’a pas besoin de traduire comme ‘Allo’, ‘Oh’, ‘T’as vu’, mais je voulais vraiment que ce soit le corps qui soit en avant, le corps dans un environnement… La parole, on l’a totalement évacuée, mais en gardant ces petites choses qui peuvent être compréhensibles aussi bien en France qu’ici ou ailleurs. »

Du coup, c’est un film qui s’exporte facilement ?

« Ca, on verra. Ca reste un film français quand même, car c’est un regard sur une certaine classe sociale qui part en vacances et puis sur des lieux très français. Il y a une identité française très clairement. Maintenant, j’espère que ça pourra intéresser d’autres personnes que les Français. »

Comment êtes-vous arrivé personnellement de la BD au film ? Qu’est-ce qui vous a tenté dans cette aventure-là ?

 « Je suis rentré aux Beaux-Arts dans les années 1980. A l’époque, la BD n’était pas en odeur de sainteté dans les écoles d’art. C’était même considéré comme un sous-genre. On m’avait demandé de faire autre chose, si je voulais rester dans les murs. Je me suis orienté vers la gravure. Mais comme j’avais besoin de raconter des histoires, on m’a permis de faire deux courts-métrages pendant ces cinq ans d’études. J’avais titillé un peu la pellicule super 8 et la vidéo. En 1996, j’avais remis le couvert en faisant un court-métrage avec Angelo Zamparutti, qui est chef décorateur sur les deux longs-métrages. On faisait un petit film tous les cinq ans. A un moment donné, j’ai décidé d’aller plus loin, j’ai fait un moyen-métrage, Cavalier facile, mais avec des bouts de ficelle ! Ca me travaillait beaucoup. J’ai sorti un livre, Les petits ruisseaux, qui a été remarqué par un jeune producteur, Xavier Delmas, et un plus ancien, Jean-Louis Livi. Ils m’ont contacté pour savoir si j’étais prêt à lâcher la chose pour que ça passe sur les écrans. J’ai demandé à être à l’écriture et de fil en aiguille, Xavier m’a proposé de passer derrière la caméra, ce que j’ai accepté tout de suite. »

Si vous comparez les deux genres, qu’est-ce qui vous séduit dans la BD et dans le cinéma ? Quelles sont les passerelles que vous retrouvez de l’un à l’autre ?

« Les passerelles sont très courtes, il y en a moins qu’on croit. Les deux genres sont chacun d’un côté de la rivière. La bande-dessinée, c’est de la littérature en image. Le cinéma, c’est plus proche de la musique que de la littérature… »

Plus proche de la musique ? En quoi ?

'Ni à vendre ni à louer' « Pour moi, c’est une histoire de rythme. On a besoin d’avoir des images qui fassent sens. C’est presque une chanson. C’est une histoire racontée sur un temps imposé, ce qui n’est pas le cas du livre où le lecteur va pouvoir prendre son temps, poser son livre… Le cinéma est un dialogue, on regarde ça en groupe et on est face à quelque chose qui est en temps non dilaté, non dilatable. J’ai l’impression de passer d’un bord à l’autre, mais pas par des ponts. Les deux genres m’apportent des choses différentes. La bande-dessinée a ça d’extraordinaire qu’on ne doit rien à personne, le cinéma a ça d’extraordinaire qu’on doit tout à tout le monde. C’est deux plaisirs totalement différents. La bande dessinée est un feu de cheminée, le cinéma est un incendie. Mais il n’y a pas d’échelle de valeur. »

Marjane Satrapi et Johann Sfaar sont également des dessinateurs de BD qui sont passés au cinéma. Est-ce que c’est une tendance pour les auteurs de BD de passer derrière la caméra ?

'Les petits ruisseaux' « On peut aussi rajouter Riad Sattouf qui a sorti un film il y a deux ans. Je ne sais pas si c’est une tendance. Pour les quatre, ça s’est passé de la même façon. Notre histoire a été identique, je crois : on est venu nous chercher, et on a accepté. On est arrivés plus ou moins vierges dans le domaine. Ce ne sont pas les petits courts-métrages qui font que j’ai une expérience, c’était du bricolage. Mais on est arrivés assez décomplexés dans le support en se disant qu’on n’était pas ‘pollués’, même si ce terme est un peu fort. En tout cas, on n’arrivait pas avec des codes, mais on essayait de travailler à l’énergie. En plus, à la différence d’une génération antérieure, où pour moi comme pour les trois autres il n’y a pas de hiérarchie entre les deux genres. Je me suis d’abord exprimé par le dessin, c’était un besoin, une vraie envie. Je continuerais à faire de la BD car pour moi ça reste un art aussi intéressant et passionnant que le cinéma. Il faut juste savoir ce qui se prête mieux à un genre et ce qui se prête à un autre. »